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Techo de ante – Reagan Upshaw Fine Art

Un lector de este blog me envió recientemente un artículo de Bloomberg News titulado «Los precios del arte contemporáneo nativo americano subieron más de un 1.000 por ciento». Esa afirmación es indudablemente cierta, aunque, como ocurre con todos los consejos «calientes» de Wall Street, cuando el dato llega al público en general, los conocedores ya han obtenido sus ganancias y han seguido adelante. Los nuevos compradores pagarán precios mucho más altos. El coleccionista contemporáneo más astuto que conozco cambió sus compras de arte negro al arte contemporáneo de los nativos americanos hace al menos tres años.

Es fácil volverse cínico respecto del mercado del arte. ¿Es el arte contemporáneo de los nativos americanos sólo el nuevo sabor del mes? En el arte no existe una exigencia inherente. Quieres comer; necesitas un lugar para vivir. Los precios de la comida y el alojamiento pueden subir o bajar, pero siempre habrá mercado. El mercado de obras de arte, por el contrario, está influido por un sinfín de cosas, todas ellas artificiales y sin sentido. Los empresarios buscan entrar en la planta baja de lo último, tratando de crear una demanda que puedan desencadenar. Los curadores son tan conscientes de las preocupaciones políticas como estéticas cuando intentan organizar exposiciones que reciban la aprobación de la crítica y al mismo tiempo atraigan multitudes. Los críticos buscan nuevos movimientos con los que hacerse un nombre. El clima cambia constantemente y las modas artísticas pueden ser tan efímeras como las del mundo de la moda.

Después de siglos en los que los mercados y museos de arte estuvieron dominados por hombres blancos, los artistas que hasta ahora estaban subrepresentados están siendo adquiridos con venganza, particularmente por las instituciones. El ascenso del feminismo hace cincuenta años (y la agitación de las Gorilla Girls y otros activistas en la década de 1970) inició una reevaluación del arte realizado por mujeres, y el mercado comenzó a responder.

El movimiento por los derechos civiles de la década de 1960 destacó la exclusión de los artistas negros de la historia del arte, más notoriamente en «Harlem On My Mind», una exposición de 1969 en el Museo Metropolitano de Nueva York que tenía como objetivo celebrar el Renacimiento de Harlem sin incluir una sola pintura. o escultura de un artista negro. La situación ha cambiado: el arte negro se ha convertido en un tema de moda en los últimos años.

El problema es que la segregación artística, autoimpuesta o impuesta por instituciones, tiende a limitar la carrera de un artista. ¿Quiere un artista ser visto en un contexto particular o como algo independiente? A lo largo de su carrera, Georgia O’Keeffe se ha negado sistemáticamente a formar parte de espectáculos exclusivamente femeninos. Ella no era una «mujer artista», insistió, era una artista que resultaba ser una mujer. Sabía que, como decidió la Corte Suprema en 1954 en otro contexto, la separación es inherentemente desigual.

La categorización corta en ambos sentidos. Ser incluido en un grupo puede ayudar a centrarse en el trabajo de un artista joven, pero el problema radica en intentar escapar de los límites de ese grupo más adelante. En el caso de los artistas nativos americanos, había un «techo de ante» en la escena artística.

La artista cherokee Kay WalkingStick (nacida en 1935), en una entrevista reciente con The New York Times, habló de ignorar el consejo de un marchante al principio de su carrera que le advirtió que no expusiera con artistas nativos americanos entre sí, y le dijo que el encasillamiento resultante . lo que dificulta que su arte llegue a un público más amplio. «Tal vez eso fue lo que pasó», pensó. Su trabajo ahora llega a un público más amplio, sobre todo en una exposición celebrada el año pasado en la Sociedad Histórica de Nueva York, pero ha languidecido en la oscuridad durante gran parte de su carrera.

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