‘Retadores’ y ‘La madre y la puta’ hacen doble largometraje

[Editor’s Note: The following article contains spoilers for “Challengers”]

A pesar de las implicaciones del título de esta historia, estas dos películas no son iguales. Bueno, lo son. Un poco. En ciertos sentidos. Principalmente en el sentido de que el punto focal de cada uno se centra en las luchas que surgen como resultado de la no monogamia y específicamente los desafíos de mantener la civilidad dentro de una relación ménage-à-trois. También existe una conexión entre los dos protagonistas de cada película, Zendaya y Jean-Pierre Léaud, en el sentido de que ambos comenzaron sus carreras cuando eran niños y utilizaron estos roles para ampliar la percepción que el público tenía de ellos cuando eran adultos. Quizás de manera más tangencial, ambas películas cubren períodos de gran ignorancia social (la Francia posterior a los años 60 y los Estados Unidos anteriores a 2020 (así como antes de la crisis de la vivienda y financiera)) y tienen como objetivo despertar la curiosidad del público, aunque sea completamente. diferentes caminos. Afortunadamente, este artículo no pretende establecer comparaciones estrictas entre las dos películas, sino convencer tanto a los lectores como a los cinéfilos de por qué verlas una al lado de la otra puede ampliar su perspectiva sobre un tema que no se explora a menudo.

Comencemos con «La madre y la puta», o para los francófilos, «La Maman et La Putain», ahora disponible para ver en The Criterion Channel después de décadas en el abismo de los problemas de derechos de los medios físicos. En pocas palabras, esta película es una bestia. Con una duración de casi tres horas y cuarenta minutos, consta de casi todas las escenas de diálogo filmadas en 1,37:1 en una película en blanco y negro de 16 mm y presenta a un personaje central que, si estuviera presente hoy, probablemente estaría en línea. Troll. Para algunos, esto les parecerá un paraíso, pero para otros, seguramente, un trabajo duro. Ingrese a «Challengers», un drama elegante y sexy sobre tenis que llega a los espectadores con una voracidad que probablemente les debilitará las rodillas (un punto que también juega un papel importante en la trama de la película). . Es una película que examina el atletismo como una forma de sexualidad y con qué frecuencia el dominio se convierte en un ingrediente de la pasión. Pero, ¿cómo toma forma la dominancia? ¿Quién tiene realmente el poder? Con estas preguntas es donde se puede trazar una línea central entre estas dos películas.

En «La madre y la puta», el punto de apoyo de la tríada sexual es un intelectual masculino -tal vez un periodista, tal vez simplemente un mal contenido- llamado Alexandre. Este personaje se ve mejor no sólo como un sustituto del escritor y director de la película Jean Eustache, sino también como una representación de toda la juventud perdida de la Francia posterior a la Segunda Guerra Mundial y los levantamientos estudiantiles y la posterior guerra civil de mayo de 1968. Para aquellos que No conocemos estos hechos, la referencia más reciente la podemos encontrar en la secuencia de Timothée Chalamet de «The French Dispatch» en la que Wes Anderson satiriza con cariño el conflicto y la conversación a su alrededor.

Alexandre es un vagabundo incapaz de encontrar tierra, pero cuando su interés romántico, Gilberte, decide casarse con otra al comienzo de la película, la experiencia trastorna todo su estado, enviándolo a él y a las dos mujeres a las órbitas que él elige habitar a continuación. en un viaje de autoinmolación de satisfacción sexual y emocional. En lugar de mitificar a sus sujetos o incluso a sí mismo, Eustache dirige una lente cáustica a sus personajes, aprovechando su comportamiento al permitir que otros lo vean. Cuando volvió a visitar la película para su remasterización de 2022, Richard Brody la describió en Neoyorquino como «una película radical, pero su radicalismo es irónico, incluso evasivo, porque, lejos de encarnar los ideales de los Primeros de Mayo, ‘La madre y la puta’ es radicalmente conservadora».

Para poner esto en contexto, en 1973, tras su estreno en Cannes, Eustache estaba usando esta película para rendir homenaje y denunciar a sus antepasados ​​de la Nueva Ola francesa por expandir la forma de manera radical, pero no la usaba para comentar realmente temas o conmover. . sociedad hacia adelante. A pesar de toda la progresión que figuras como Truffaut, Godard y Rohmer trajeron al cine y lo que pensaban que representaba, había en su corazón un tradicionalismo que, con su película, Eustache engaña y acepta dolorosamente. Por mucho que queramos que las cosas cambien como seres humanos, también hay consuelo en el status quo y todos hemos sido víctimas de ello. Ambas películas parecen encaminadas a documentar los cambios producidos por el tiempo, «Challengers» optó por hacerlo yendo y viniendo a lo largo de décadas, años, semanas, días y horas, mientras que «La madre y la puta», aunque siguió un recorrido lineal línea. , se refiere constantemente a un pasado que se ha desvanecido. Pasar todo el día en cafés animando, fumando y bebiendo puede haber parecido alegría de vivir en el París de los años 60, pero en los años 70 se considera una torpeza. De manera similar, los grandes cambios narrativos en “Challengers” a menudo se establecen en reliquias de la cultura americana por la que colectivamente hemos perdido el gusto, pero que tocamos recuerdos. Las habitaciones de los moteles con aire acondicionado roto, los estacionamientos de Applebee, las canchas de tenis de los clubes de campo e incluso los campus universitarios se vuelven iridiscentes con una sensación de romance y desprecio.

Para cada individuo en cada película, la sensación de que algo se ha perdido hace mucho tiempo, cuando los devora, lleva a todos los personajes a victorias tanto huecas como profundas. Si la vida se trata de poder, de dominio, entonces, cuando te das cuenta de que no lo tienes, nadie puede hacer que una persona lo excite mucho más. Es un oxímorónico, pero dadas las situaciones que se han creado y la historia que comparten, estos personajes parecen no poder escapar de este ciclo de autocomplacencia. Sin embargo, con «Challengers», el escritor Justin Kuritzkes y el director Luca Guadagnino no se interesan exclusivamente por el mundo que rodea a los personajes que eligen estudiar, sino también por el mundo que estos personajes crearon. Es un mundo de sudor, dolor, triunfo y fracaso, y todo lo demás es sólo un juego. Hay sensualidad y diversión dentro de esta percepción y, sin embargo, profundiza un poco más y se ve un mensaje político hasta el final en una conclusión entusiasta que ve el arte de Mike Faist y Josh O’Connor de Patrick abrazarse después de años de peleas, para gran alegría. de La figura de Zendaya como Svengali, Tashi. El mensaje es este… ¿no es mejor amar a pesar del odio que odiar a pesar del amor? O como Guadagnino dijo recientemente en Variety: «¡Es lindo besar a la gente!».

Desafortunadamente, es un sentimiento y una pregunta que se siente atrapado en 2019, cuando se desarrolla la mayor parte de la historia, un momento en Estados Unidos que parece una era pasada, una era en la que nuestra ignorancia no era completamente evidente como lo ha sido en. tiempos recientes. años. ¿Cómo podemos derrumbarnos y enmendarnos en el mundo actual donde la brutalidad física y la desinformación continúan alejándonos cada vez más? ¿Se supone que debemos llevarlo a los tribunales y retirarlo? Y, sin embargo, los límites del mundo que crean Kuritzkes, Guadagnino, Zendaya, Faist y O’Connor nos aíslan de alguna manera de estas preguntas. De este modo, parece una obra de cine mucho más antigua y despreocupada, algo que Rian Johnson y otros señalan que se parece más a una película de Wilder o Lubitsch como «Design For Living». Y hace lo que se supone que deben hacer las películas, en el sentido clásico. Nos atrapa, nos envuelve en la furia del deporte, nos abruma con sensualidad e implicación, hace que nuestros corazones latan en sincronía con los personajes. Lo hace con composición de planos, bloqueo, ambientación, música y técnicas de edición que nos hacen sentir como si estuviéramos dentro de la experiencia. Y Dios, se siente bien. Pero los sentimientos pasan. Y pronto estarás buscando más. Aquí es cuando una película como «La madre y la puta» resultará reveladora.

Los personajes de la película de Eustache hablan mucho sobre sexo, a veces con un lenguaje florido, a veces con desapasionamiento, pero la imagen real del acto hace que parezca completamente desagradable. Se relacionan entre sí no por deseo o deseo, sino por conquista, porque Alexandre, así como Marie y Veronika, las mujeres que lanzaron su invectiva regresiva, necesitan volver a sentir alguna sensación de control en un mundo y un tiempo. que tanto extraña. Y luego, ¿cómo se concreta la dominancia en las relaciones? ¿Quién tiene realmente el poder? Para ver estas preguntas desde la perspectiva de «Challengers», la respuesta es quién es capaz de vencer al otro, pero también quién es capaz de no aceptar nunca la derrota. Después de la lesión que puso fin a su carrera a mitad de la película, Tashi Duncan sabe que nunca volverá a competir en la cancha y, sin embargo, esa sensación de competencia permanece dentro de ella en todo momento. No importa quién gane el partido al final, Art o Patrick, ella siempre será la verdadera ganadora porque publicó la publicación. Lo único que quería era un gran partido y eso es lo que consiguió. Ella los puso en esa cancha y generó suficiente animosidad entre los dos para permitirles encontrar nuevamente su fuego por el deporte y el uno por el otro.

En este sentido, la cuarta figura se infiltra en el trioma de una manera no tan sutil: el propio juego de tenis. Es parte de lo que los impulsa el uno hacia el otro con más frecuencia que lo que los aleja y se vuelve esencial para su eventual liberación. De manera similar, el personaje de Gilberte en «La madre y la puta», que aparece sólo brevemente, pero que se analiza extensamente, sirve como otra fuerza no tan invisible que impulsa la narrativa entre Alexandre, Marie y Veronika. Para Alexandre, su incapacidad para reclamar a Gilberte y su enfado e indignidad al saber que ella se casa con el hombre que la ayudó a abortar son los que le empujan a aprovecharse de dos mujeres que parecen realmente dispuestas a aceptar su pensamiento. Al final, su búsqueda de dominio lo lleva directamente a una trampa, cuya realidad eventualmente tendrá que superar, probablemente más temprano que tarde. En estas dos películas, el dominio es lo que une a estos personajes, pero son estas fuerzas no tan invisibles las que terminan teniendo el poder real. Una metáfora adecuada para los problemas que enfrentamos hoy y los que enfrentamos entonces.