La exposición Absolute Eyes – Pintura de Veronica Winters

Si bien Nápoles es una ciudad costera exclusiva con pocas obras de arte en exhibición, el Instituto de Arte de Nápoles sorprende a los lugareños con su exposición más reciente, titulada «Victor Vasarely: El ojo absoluto». La exposición retrospectiva mostró más de 100 serigrafías, litografías, pinturas gouache, dibujos y algunas pequeñas esculturas.

El artista húngaro-francés Victor Vasarely (1906-1997) es el líder del movimiento Op Art (arte optocinético), y sus innovaciones en la percepción del color y la ilusión óptica influyeron en muchos artistas futuros. Hoy en día, sus impresiones artísticas dibujadas a mano se venden entre 4.000 y 30.000 dólares la pieza. Vasarely tenía 90 años cuando murió en París, Francia.

Mejor conocido como Arte OP, Arte optocinético el movimiento se basa en principios matemáticos para construir formas, rayas, cuadrículas o espirales abstractas repetitivas para capturar los movimientos oculares involuntarios que hacemos cuando seguimos patrones en movimiento. En otros mundos, este arte estimula la respuesta optocinética en nosotros. El Op Art toma esta respuesta como base para engañarnos visualmente pero normalmente explora una visión y técnicas artísticas más amplias en el arte.

5 datos sobre Victor Vasarely y su Op Art:

1. De la medicina al cerebro

Antes de convertirse en el padre del Op Art, Vasarely siguió la carrera de medicina. Cambió de camino a mitad de estudio, atraído por el poder de la comunicación visual. Posteriormente estudió diseño gráfico en la escuela privada Műhely de Budapest y en 1930 se trasladó a París para trabajar en publicidad y diseño.

«Las primeras investigaciones abstractas geométricas de Vasarely se inspiraron en elementos puramente abstractos de la naturaleza y los espacios urbanos. En 1947 pasó el verano en una pequeña isla frente a la costa de Bretaña, llamada Belle-Île-en-Mer. Observó las piedras pulidas en la arena, examinó el comportamiento prismático del mar, así como la refracción y reflexión de la luz, el efecto de creación de espacio cambiando el punto de visión que daba al espectador sobre una superficie plana y el contraste de luz y sombra. lo que genera una vibración en la mira. Esto marca el comienzo de un verdadero enfoque abstracto para Vasarely. Aunque más tarde se refirió a este momento de su vida como «el camino equivocado», supuso una importante evolución en su obra. Añadió elementos más redondeados a sus pinturas. Cuando volvió a su estilo geométrico anterior, fue con la inclusión de formas redondeadas dinámicas que parecían sobresalir de la pintura o colapsar hacia adentro desde la superficie. Estas formas engañaron al ojo haciéndole sentir que la imagen se estaba moviendo. Esa ilusión cinética, junto con la tridimensionalidad de las imágenes de los lienzos de Vasarely, se convirtió en la base de la estética icónica que ahora llamamos Op Art».

Instituto de Arte de Nápoles

«La extrema variedad de su forma lleva al diseñador publicitario a silenciar su personalidad.»

Victor Vasarely

2. Arquitecto de la percepción tridimensional

Vasarely no se limitó a pintar ilusiones; Su objetivo era incriminarlos. Sus obras utilizan la geometría, la repetición y el juego de colores para manipular cómo los espectadores perciben la profundidad, el movimiento e incluso el color mismo. Gracias a sus trabajos en publicidad y diseño gráfico el artista ha aprendido lo suficiente sobre la psicología humana para comprender cómo procesamos la información visual.

“Nuestros ojos están sujetos a un flujo constante de estímulos visuales. Para procesarlas e interpretarlas, la mente subconsciente compara las imágenes con recuerdos y experiencias. Esto es lo que distingue la percepción personal de la imagen fisiológica real. Objetos grandes en primer plano, objetos pequeños en segundo plano y líneas que convergen en un punto de partida. Cuando el ojo recibe tales señales, percibe incluso una imagen bidimensional como espacial. Por eso los artistas suelen utilizar la llamada perspectiva central en sus representaciones naturalistas, sobre todo en las representaciones pictóricas de ciudades. Trabajan con líneas que convergen a medida que disminuyen en la profundidad del espacio, como parecen hacerlo en la percepción de la realidad. Vasarely, por su parte, hizo frecuentes uso de proyección axonométrica Método geométrico de construcción de formas tridimensionales. Las líneas de los lados paralelos se dibujan invertidas en un lado en ángulos iguales. Esto tiene un efecto confuso en la percepción visual: ¿la imagen realmente muestra un objeto tridimensional?»

Instituto de Arte de Nápoles

3. Arte óptico para todos

A diferencia de gran parte del arte de vanguardia, Vasarely creía en la democratización de las experiencias artísticas. Adoptó los encargos de arte público y las integraciones arquitectónicas, llevando el Op Art a espacios cotidianos como edificios y estaciones de metro. Influenciado por los futuristas, los constructivistas y los dadaístas, el Op Art se extendió por Europa y llegó a Estados Unidos en los años 60.

Estructuras Vega

“Vega Structures es una de las series más famosas e icónicas producidas por Vasarely en el apogeo de su carrera y lleva el nombre de la estrella más brillante del cielo nocturno de verano del hemisferio norte. Inspirándose en las noticias contemporáneas sobre señales misteriosas recibidas de galaxias distantes, Vasarely nombró muchas de sus obras en honor a estrellas y constelaciones. Las imágenes de Vega se basan en distorsiones cóncavas-convexas de una red en forma de cuadrícula, una combinación sofisticada del cubo y la esfera, que simbólicamente se refiere al movimiento bidireccional de la luz que emana de las estrellas pulsantes y al funcionamiento de las galaxias que se condensan. y el universo en expansión.

A través de obras como «Vega-Fel-VR» (1971) y «Trivega» (1981), Serigrafías, el artista busca evocar el elusivo universo de las galaxias, las pulsaciones cósmicas y la mutación biológica de la célula. El denominador común de estas obras es la comprensión de Vasarely de que dos dimensiones pueden expandirse a tres simplemente deformando la cuadrícula básica, y que, dependiendo del grado de ampliación o reducción, los elementos de la cuadrícula deformada pueden transformarse en rombos o elipses. . «
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4. Más de lo que parece

Vasarely vio su arte como un puente entre la ciencia y el arte. Incorporó principios matemáticos y estudió psicología de la percepción para lograr efectos ópticos dinámicos, casi psicodélicos, en su Op Art.

En 1955, Victor Vasarely publicó sus reflexiones sobre el Op Art en el Manifiesto Amarillo. En sus escritos, el artista registró sus ideas a las que llamó Cinetismo. Cree que el arte debe basarse en principios científicos para crear una sensación de movimiento, energía y profundidad expresada en formas geométricas e ilusiones ópticas, en lugar de copiar la naturaleza.

5. Más allá del lienzo

El Op Art no se trataba sólo de pinturas en forma de cuadrícula. Según Tate, Vasarely experimentó con varios medios, incluidas esculturas, tapices e incluso fachadas arquitectónicas, creando efectos ilusorios y cambiantes de profundidad, perspectiva y movimiento. Hay algunas pequeñas esculturas presentadas en la muestra que muestran su interés por otros materiales y técnicas.

¿Qué es la serigrafía?

En «Absolute Eyes», la mayoría del arte que vemos son serigrafías vibrantes producidas por el artista. La serigrafía es un proceso de impresión basado en esténcil que generalmente se denomina impresión en seda. Warhol es el artista moderno más famoso que utilizó este método de impresión para crear su arte. Roy Lichtenstein ocupa el segundo lugar.

1. Plantillas: Se crea una plantilla separada para cada color utilizado en la obra de arte. Estas plantillas suelen utilizar una emulsión fotosensible sobre una pantalla de malla fina (originalmente seda, ahora a menudo poliéster o nailon). Las áreas que quedan abiertas en la plantilla permitirán que la tinta fluya moviéndola con una escobilla de goma.
2. Tinta para capas: Cada plantilla se coloca en un marco y la tinta se empuja a través de las áreas abiertas del sustrato (generalmente papel, pero también se pueden usar otros materiales). Este proceso se repite para cada color, construyendo la imagen capa por capa, lo que da como resultado colores gruesos y vivos para completar la imagen. Cada capa debe alinearse e imprimirse perfectamente para crear una obra de arte terminada, lo que requiere cierta habilidad y paciencia por parte del artista. La tinta de alta calidad produce texturas y colores ricos.
3. Toque hecho a mano: Si bien existen máquinas automatizadas, las serigrafías generalmente se fabrican en ediciones limitadas porque cada capa se dibuja a mano, cada plantilla está hecha a mano y cada serigrafía a todo color está numerada y firmada por el artista. Por lo tanto, estas impresiones son ediciones limitadas por naturaleza y atraen a los coleccionistas de arte. En cuanto al tema, esta última forma de grabado es la más fácil de aprender y, por lo general, no tiene el refinamiento de una imagen como la litografía o el calcografía.

Después de visitar la exposición y conocer al artista, quedé impresionado por la habilidad y precisión matemática de Victor Vasarely al dibujar formas geométricas; esto es algo que encuentro muy difícil de hacer en mi arte. Habiendo realizado serigrafía y otros métodos de impresión, puedo apreciar la atención del artista al detalle y la precisión con la que trabajó para producir sus impresiones op art.

Más importante aún, su profundo conocimiento de la geometría y la perspectiva matemática lo llevaron a descubrir su propio ideal de belleza que abarca el Universo. En lugar de copiar señales visuales de la naturaleza, como árboles o pájaros, el artista estudió la naturaleza para ver la estructura subyacente de todo lo que vive. Si bien el Op Art o la abstracción geométrica no es mi movimiento artístico favorito, puedo ver cómo puede desempeñar su papel en la pintura de otros artistas, incluida la mía.

Fuentes:

Instituto de Arte de Nápoles, The Absolute Eye, exposición de arte retrospectiva, enero de 2024, Naples, FL.

La historia del arte, Britannica, My Art Broker, Tate