Tamara Kostianovsky esculpe un mundo natural carnoso y herido

Existe una afinidad entre los árboles y los cuerpos contenida en el lenguaje de las extremidades. Esta afinidad es lo que hace que los suaves pliegues de tela de colores pastel en las esculturas de Tamara Kostianovsky (baúles de tamaño natural esparcidos por el piso de la galería, con los interiores expuestos) sean tan inquietantes. El título de su exposición en el Musée de la Chasse et de la Nature de París, “Nature Made Flesh”, enfatiza este paralelo de extremos. Citando el concepto de «carne del mundo» del filósofo francés Maurice Merleau-Ponty, que postula una matriz elemental del cuerpo y del mundo, Kostianovsky explora una manera corpórea de estar en el mundo, una forma que vio de manera directa cuando Era una niña en la práctica quirúrgica de su padre. . Al describir una temprana familiaridad con la sangre, la grasa y la piel, el artista transforma la tela en carne y utiliza esa carne para esculpir un mundo fantástico. El efecto puede ser caprichoso, como en su conjunto de hongos de tela que se extienden sobre el tronco de un árbol clavado en la pared. Al incorporar tela negra en varias piezas, en referencia a los recientes incendios forestales y las quemaduras y la descomposición que los acompañan, Kostianovsky indica que su mundo no está completamente separado del nuestro.

Existe una afinidad entre los árboles y los cuerpos contenida en el lenguaje de las extremidades. Esta afinidad es lo que hace que los suaves pliegues de tela de colores pastel en las esculturas de Tamara Kostianovsky (baúles de tamaño natural esparcidos por el piso de la galería, con los interiores expuestos) sean tan inquietantes. El título de su exposición en el Musée de la Chasse et de la Nature de París, “Nature Made Flesh”, enfatiza este paralelo de extremos. Citando el concepto de «carne del mundo» del filósofo francés Maurice Merleau-Ponty, que postula una matriz elemental del cuerpo y del mundo, Kostianovsky explora una manera corpórea de estar en el mundo, una forma que vio de manera directa cuando Era una niña en la práctica quirúrgica de su padre. . Al describir una temprana familiaridad con la sangre, la grasa y la piel, el artista transforma la tela en carne y utiliza esa carne para esculpir un mundo fantástico. El efecto puede ser caprichoso, como en su conjunto de hongos de tela que se extienden sobre el tronco de un árbol clavado en la pared. Al incorporar tela negra en una serie de piezas que hacen referencia a los recientes incendios forestales y las quemaduras y la descomposición que los acompañan, Kostianovsky señala que su mundo no está completamente separado del nuestro.

Aunque las esculturas de Kostianovsky están hechas de textiles desechados, todavía tienen la suavidad limpia y dulce de la ropa recién cortada. Ella cita los orígenes de su práctica en una prenda desechada accidentalmente. Algunas de sus piezas están confeccionadas con ropa de su padre, que invocan la intimidad persistente que surge de la proximidad de un tejido al cuerpo. El programa de la exposición llama a esto «upcycling», pero es mucho más que una comodidad útil o un signo de sostenibilidad: sentir el eco de un usuario de camiseta en las venas de un árbol nos recuerda la interconexión del mundo con nuestros materiales. .

En otras esculturas, sin embargo, Kostianovsky va en contra de la suavidad del medio elegido. Una serie de cadáveres titulada “Matadero tropical” (2019-23), colgados como en un frigorífico, combinan el feo detalle de la caricatura con el color brillante de los dibujos animados. Fabricadas con tela de tapicería, las pieles rellenas tienen una familiaridad hogareña que hace que la violencia de su presentación sea aún más difícil.

De costillas exageradas emergen raras aves hechas de telas igualmente vibrantes, una mezcla de vida y muerte que Kostianovsky llama un «matadero tropical» en referencia a su crianza en Argentina. La obra cuelga en un diálogo marrón con las colecciones del museo: una naturaleza muerta del siglo XVIII en la pared opuesta es un recordatorio de que la carne desollada ha sido durante mucho tiempo un tema de arte. Ubicado en una mansión del siglo XVII llena de piezas de época y artefactos de la historia de la caza, el museo se basa en un sólido programa de arte contemporáneo para generar una reflexión crítica sobre la relación entre los humanos y la naturaleza.

¿Cuál es el resultado de ver el mundo como carne? El trabajo de Kostianovsky sugiere que el entrelazamiento encarnado puede ser un medio para reparar un enfoque colonialista de la naturaleza, especialmente cuando está rodeado de recordatorios del exotismo extractivo de moda entre los aristócratas europeos que solían ser los habitantes originales de las opulentas salas del museo. Su serie «Foul Decoraciones» (2020) es la más cercana al lujoso estilo rococó francés. La serie está inspirada en un papel tapiz que presenta flora y fauna tropical, que a menudo incluye aves imaginarias, que fue diseñado para transportar a los espectadores a un paraíso esquivo creado por el trabajo insidioso del colonialismo. En la recreación de Kostianovsky, pájaros tridimensionales de tela «invaden» el espacio, apoderándose de las paredes y, por extensión, del entorno. Basado en aves nativas más que imaginarias, el trabajo de Kostianovsky ofrece a las aves una especie de regreso a casa, devolviéndolas a sus entornos nativos. Debido a una dimensionalidad ausente en el papel pintado original, los pájaros suenan con una nota finalmente optimista. Si bien el espectáculo no rehuye representar la decadencia y la destrucción, la vitalidad incontenible del trabajo de Kostianovsky evoca un mundo que se siente vívidamente vivo.