Cómo aprovechar el poder del papel con 8 ejercicios sencillos de diseño gráfico

El diseño gráfico nos rodea por todas partes, desde nuestra bolsa de posos de café hasta el logotipo de nuestra escuela. Comprender los orígenes del diseño gráfico enriquece las habilidades fundamentales del diseño, como el diseño, la composición, la tipografía y la jerarquía visual. Además, ayuda a recordar a los estudiantes que el diseño gráfico no siempre se trató de computadoras. Distinga entre diseño gráfico y arte digital para explorar ejercicios de diseño gráfico prácticos y sin pantalla para abordar habilidades esenciales y desarrollar una fuerte sensibilidad de diseño.

¡Adéntrate en los orígenes del diseño gráfico y deshazte de las herramientas digitales para centrarte en los fundamentos del diseño con los siguientes ejercicios!

El origen y la evolución del diseño gráfico

La forma artística del diseño gráfico surgió a principios del siglo XX y evolucionó a partir de las prácticas de la tipografía, la ilustración y la impresión. Antes de la era digital, los diseñadores dependían de herramientas físicas, como bolígrafos, reglas y cuadrículas, para crear logotipos, carteles y anuncios. ¡Este enfoque práctico sigue siendo valioso hoy en día! Enseñe a los estudiantes los fundamentos del diseño sin la distracción de la tecnología.

Diseño gráfico versus arte digital: comprender la diferencia

Si bien el diseño gráfico y el arte digital comparten algunos puntos en común, tienen propósitos diferentes. El diseño gráfico se centra en la comunicación visual y la resolución de problemas a través de imágenes, tipografía y diseño. Se trata de transmitir un mensaje o identidad de marca, a menudo en contextos comerciales. El arte digital, por otro lado, incluye cualquier obra de arte creada o manipulada utilizando herramientas digitales y enfatiza la creatividad y la expresión. Los dos campos se superponen, pero el diseño gráfico suele ser más funcional, mientras que el arte digital es más expresivo.

Ejercicios de diseño gráfico sin pantalla

Los ejercicios de diseño gráfico sin pantalla ofrecen varios beneficios a los estudiantes, pero el más importante es una mejor concentración. Sin la distracción de la tecnología, los estudiantes pueden concentrarse en dominar los principios y técnicas fundamentales de diseño. Trabajar con materiales físicos fomenta una comprensión más profunda de los conceptos de diseño, como las capas, a través de la experimentación práctica.

1. Capas de logotipo

Los estudiantes crean logotipos para empresas imaginarias utilizando únicamente papel, lápiz y marcadores. Experimente con diferentes formas, fuentes y diseños para transmitir la identidad de una marca. Proporcione papel de calco y demuestre el proceso de transferencia de grafito para replicar rápidamente formas y fuentes. Los papeles de calco o las hojas de acetato también permiten a los estudiantes jugar con la disposición y reorganización de las capas. Analice cómo los diferentes elementos pueden respaldar visualmente el mensaje y la misión de una marca.

2. Libros de artista

La creación de apuestas puede ser tan simple o compleja como desee en su sala de arte. Presente a los estudiantes los libros de artista: libros hechos a mano o modificados que presentan obras de arte en cada página y se extienden, pero que también se convierten en una obra de arte escultórica en su totalidad. Hay muchas técnicas sencillas de encuadernación que puedes probar. Incorpore costuras con encuadernación japonesa o adopte el plegado con un libro de acordeón, un libro de explosión o un libro circular. Juegue con los principios y consejos de los otros ejercicios para crear páginas y pliegos interconectados.

3. Carteles

¿Alguna vez has caminado por los pasillos y has visto carteles horrendos creados por profesores u otros estudiantes? ¡Realmente hay un arte en el diseño de carteles potentes! Como profesores de arte, a menudo somos los creadores de carteles escolares «no oficiales». Comparta sus conocimientos de composición con sus alumnos para que puedan diseñar carteles de forma eficaz para las causas que les interesan. Muestre a los estudiantes cómo crear equilibrio visual, cómo organizar el texto para que sea fácil de consumir, cómo enfatizar palabras o ideas importantes y cómo utilizar el espacio negativo para guiar la atención del espectador.

4. Escala de prueba

Proporcione cuadrículas de puntos para ayudar a los estudiantes a crear diseños limpios y precisos que se centren en la escala y la proporción. Correlacione las cuadrículas de puntos con la función de regla en el software digital. Los estudiantes dibujan una palabra o letra con una fuente única en una cuadrícula de puntos. Arrástralo libremente cada vez más grande para replicar la imagen. Luego, aumente y disminuya manualmente la palabra o letra original utilizando los puntos como guía. Analice cómo el dibujo libre versus el escalado manual cambiaron las proporciones y el equilibrio y cómo afecta la imagen general.

5. Corte de papel

¡Inspírate en los recortes de papel de Matisse y utiliza papel de desecho! Proporcione papel de colores, tijeras y pegamento. Los estudiantes recrean y simplifican una obra de arte famosa o crean un ícono que representa el estilo de un artista solo con formas de papel. Esta actividad empuja a los estudiantes a dividir imágenes complejas en capas, formas y colores.

6. Infografía

Visualice datos y cree infografías dibujadas a mano para un tema o tema que apasione a los estudiantes. Los estudiantes tienen la oportunidad de realizar prácticas de investigación éticas y aprender a comunicar información compleja de forma clara y eficaz. Utilice cuadrículas de puntos para ayudar a los estudiantes a dividir sus composiciones en secciones organizadas.

7. El sello

Guíe a los estudiantes en la creación de sellos para explorar cómo formas y líneas simples crean patrones y texturas repetitivos. ¡Un buen lugar para comenzar es con impresiones con borrador porque son baratas y rápidas de hacer! Conecte este proceso con el funcionamiento de los pinceles digitales.

8. Tipografía

¡Escribir y escribir a mano eran una gran cosa antes de escribir! Vuelve al arte de las letras a mano con ejercicios de caligrafía y materiales divertidos como pluma y tinta. Además, es una excelente manera de practicar esas habilidades motoras finas y discutir la anatomía de las formas de las letras y el impacto de la tipografía en el diseño actual.

Si desea investigar el contexto histórico del diseño gráfico y obtener más ideas para planes de lecciones, inscríbase en el curso de posgrado. Estudio: Diseño Gráfico. PRO Learning también tiene dos paquetes increíbles para consultar: Explorando la comunicación visual a través del diseño gráfico y Introducción al diseño gráfico. Cada paquete está repleto de vídeos breves para profesores y recursos complementarios.

Artistas que se conectan en línea y sin conexión

Los artistas que combinan a la perfección técnicas tradicionales y digitales son grandes fuentes de inspiración y posibilidades para los estudiantes. Incorporar artistas a su plan de estudios también es una excelente oportunidad para introducir la historia del arte. El movimiento artístico Bauhaus de principios del siglo XX creó piezas de arquitectura, muebles y diseño estilizados y funcionales. El papel de la tipografía en el diseño gráfico de la Bauhaus es crucial porque combina expresión artística, branding, comunicación y publicidad. ¡Muestre a los estudiantes carteles de la Bauhaus para resaltar la apasionante evolución del campo!

Aquí dos artistas contemporáneos que combinan procesos offline y online:

1. Austin Cleón
   Kleon se describe a sí mismo como «… un escritor que pinta. Hago arte con palabras y libros ilustrados». Combina texto y diseño con collage y marcador permanente para crear sus reconocibles citas en blanco y negro.
2. paula scher
   Scher es uno de los diseñadores gráficos más influyentes del mundo. Combina el diseño con la pintura tradicional para crear trabajos que van desde mapas pintados a mano hasta logotipos corporativos.

Comprender la historia y el contexto cultural del diseño gráfico ayuda a los estudiantes a apreciar su papel en la comunicación visual. También mejora su capacidad para pensar críticamente sobre las imágenes que encuentran todos los días. Tanto para los artistas contemporáneos como para sus estudiantes, dominar las habilidades de diseño tradicional y digital es crucial para navegar en nuestro mundo visual donde los dos campos se superponen cada vez más. Al probar ejercicios como cortar papel, escalar fuentes y trabajar con capas de acetato, los estudiantes construyen una base de sólidas habilidades de diseño que se traducen en una variedad de campos creativos.

¿Qué actividades prácticas disfrutan sus estudiantes antes de hacer la transición a las herramientas digitales?

Comparte un artista favorito que mezcla procesos en línea y fuera de línea.

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