«¿A quién le importa?» Entrevista con la artista húngara Andrea Fajgerné – Parte 2 – VoCA

La autora colaboradora Caitlin Swindell es curadora de colecciones y exposiciones del Lowe Museum of Art de la Universidad de Miami. Ha ocupado cargos curatoriales en el Museo de Arte de Denver y el Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de Jacksonville, trabajó como consultora de arte en Santa Fe, Nuevo México, y realizó pasantías en varias instituciones, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de Boston, el Smithsonian . Galería Nacional de Retratos y el Museo de Arte de Nueva Orleans.

Andrea Fajgerné Dudás (n. 1985) es artista, pintora contemporánea, ama de casa, feminista, artista de performance y madre de dos hijos. Está representada por la Galería Erika Deák en Budapest, Hungría. Para obtener más información, visite el sitio web del artista en https://fajgerne.com/.

Esta es la Parte 2 de una entrevista en profundidad con el artista. Para leer la Parte 1, haga clic AQUÍ.

Retrato de la artista frente a su obra.

caitlin: También has creado algunos trabajos basados ​​en performances en relación con la serie Housewife, usando trapeadores y mermeladas. ¿Puedes hablar un poco más sobre estos programas? ¿Cómo haces para crearlos? ¿Qué significados o experiencias espera que los espectadores puedan obtener al verlos?

andrea: El género Eat Art se manifiesta más como un evento, lo que me interesa porque puedo interactuar con el público, involucrarlo y sacarlo de su zona de confort mientras me pongo en una situación de improvisación y no planificada.

En 2010, como becario, conocí Eat Art, que se impartía como materia separada en la Universidad de Dresde. Además, ver la instalación The Dinner Party de Judy Chicago ese mismo año fue una experiencia decisiva. Luego, en 2013, conocí a Daniel Spoerri en persona, conversé sobre arte y probé su guiso Green Paradise. Ese mismo año conocí a Eszter Agnes Szabó, con quien trabajo y pienso activamente desde entonces. Desde 2010, he estado creando eventos Eat Art con regularidad, practicando una especie de arteterapia mientras alimento simbólicamente a la audiencia mientras los alejo de sus hábitos diarios. Es importante recalcar que creo eventos en los que provoco al público y, aunque sigo un escenario planificado, nunca sé cómo reaccionará realmente el público ni qué sucederá. Todo lo que sucede que creo se puede repetir, pero nunca será lo mismo porque está influenciado por el público, el lugar, la época del año y otras acciones que suceden durante la representación. Me inspira la reacción de la audiencia y el proceso, el evento y las interacciones.

Mis Happenings logran lo que mis pinturas nunca logran, que es llegar a todos los niveles y estratos de la sociedad e incluso pueden funcionar en una situación educativa. Si hago algo de acción callejera, puedo dirigirme a personas que nunca han estado interesadas en el arte contemporáneo y causarles un impacto mientras están ocupadas disfrutando de una experiencia culinaria. La comida es fundamental para lograr este objetivo porque atrae a un público receptivo. La comida se convierte en un depósito de arte que comunica y educa. El destinatario interactúa con la comida mientras recibe continuamente información sobre la obra, una obra de arte contemporáneo, su mecanismo de acción y teoría. Provoco humor o desgracia en las personas. Si logré dejarles una gran impresión, la visión muchas veces se activa en su mente, siempre ligada al recuerdo de la situación y al texto que escucharon. Así es como transmito el mensaje del arte visual a todos los sectores de la sociedad, incluso a aquellos que no tienen interés o afinidad por el arte visual.

Mis programas incluyen actividades en el hogar, como cocinar (eventos EAT-ART: sadudaerdna, Candy Venus, Hi’m Venusz), hacer pasteles (Candy Venus hornea), hacer mermeladas (Green Tomato, Mermelada comúnpintar caminos y trapear cuadros (NO FOMO, Catalizador de un ama de casa).

En 2014, me disfrazé de Candy Venus (Candy Venus, vídeo, 2011) y reinterpreté la actuación de Valie Export, acciones: pánico genital (1969). En mi mano tenía una pistola hecha de chocolate, que se derretía. Mientras tanto hice un pastel. La tarta Candy Venus está elaborada con mermelada de tomate verde (CÍM, eat-art sucediendo 2011, FKSE; MQ-Wien, 2013), es decir, la tarta Sacher untada con arte de mujeres (Candy Venus hornea, eat-art sucediendo, MQ-Wien, 2013) sobre el que escupió el esmalte.

Durante mis exposiciones de pintura, plancho regularmente el lienzo con un cepillo con forma de hierro. De esta manera muestro los gestos de paso. Planchar, como tarea doméstica, fue un tema popular entre las artistas feministas de la década de 1970, por ejemplo en las obras de Renate Eisenber, Sandra Orgel y Valie Export, Birgit Jürgensen y Latícia Parente.

En 2021, trapeé el lienzo como una señora de la limpieza, haciendo visible el trabajo invisible con este gesto. Este gesto aparece como fondo en mis cuadros. El expresionismo abstracto utilizó mucho el color azul y el cuerpo femenino como pincel (Yves Klein). Por eso no sorprende que las artistas femeninas respondan con sus gestos y su cuerpo se haya convertido en un pincel, por ejemplo: Lynda Benglis, Shigeko Kubota. Mierle Laderman Ukeles’ Cuidado (1969) abordaron a las familias de manera diferente. Eliminó el pigmento y visibilizó las actividades cotidianas como un gesto artístico con el que llamaba la atención sobre quienes realmente hacen las tareas del hogar. En los años 70, Birgit Jürgensen se presentaba a menudo como ama de casa. Si miramos más de cerca el dibujo de Birgit Jürgensen fregando el suelo, BodenschrubbenComo podemos ver, el artista pinta a los hombres como ‘Waschlappen’ de la tela del suelo que se prensa antes de ensuciarse. Las mujeres transforman las tareas domésticas en rituales públicos; liberan su ira.

Mermelada común Los eventos son un proyecto conjunto con Eszter Ágnes Szabó, al que cualquiera puede unirse, y se celebran cada año a finales de verano como un ritual. Por primera vez en 2013, cocinamos manzanas cosechadas en el espacio público de la Galería Art9. Esta fue una acción de arte callejero y eat-art que incorporó el papel tradicional de las mujeres de recolectar, cocinar y dar comida. Para entonces, las manzanas se habían convertido en mi tema central. Pinté mi cuerpo, que había crecido después de la Venus de Háj’m, con la manzana en la mano, según las tres Gracias de Rafael. A partir de ahí, sólo había un paso para aparecer bajo el manzano como el Ciego. Con la manzana que cosechamos preservamos simbólicamente el pecado original. Reflexionamos sobre los acontecimientos de Rirkrit Tiravanija creando una situación y utilizando la galería como cocina.

caitlin: Hay vulnerabilidad y fuerza al usar el cuerpo en la performance, y también al visualizarlo en la escultura, la fotografía y la pintura, a menudo desnudo o parcialmente desnudo. Cuéntanos sobre el cuerpo y cómo juega un papel en tu trabajo.

andrea: Tanto el lienzo como el cuerpo (mi propio cuerpo) son superficies de proyección a través de las cuales transmito mensajes sociales. Muestro mi propio cuerpo gordo con todas mis imperfecciones, estrías y celulitis porque lo mantengo hermoso y me siento bien con mi propia piel. Mi propio cuerpo es mi modelo, me represento como Venus y me desnudo en mis performances si mi mensaje así lo requiere. No me da vergüenza mostrar mi cuerpo. Mi cuerpo es el lienzo.

caitlin: En muchos sentidos, muchas de sus obras parecen hacer visible lo «invisible», como en el trabajo invisible de las mujeres. ¿Ves esto como un componente de gran parte de tu trabajo? La pintura a continuación parece abordar ese concepto también. No tuve la oportunidad de ver esta pieza en particular en persona pero la encontré realmente poderosa. Puedes hablar de tu serie. Galactotrophusa, que creo que se traduce como Galactotrophus (que significa productor de leche o lactífero).

Francés, Escuela de Fontainebleau (último cuarto del siglo XVI) Retrato présume de Gabrielle d’Estrées et de sa sœur la duchesse de Villars (Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas), siglo XVI 37 4/5 × 49 1/ 5 pulgadas | 96×125cm. © 2009 Museo del Louvre / Erich Lessing

Andrea Fajgerné, Alimentación Complementaria II., 2017, óleo sobre lienzo, 100x120cm

andrea: Ven a mí se apropia de pinturas de Gabrielle d’Estrees y su hermana de 1592, que se encuentran en el Louvre. Durante 15 años quise apropiarme de él y aquí fue el mayor tiempo. Mi punto era si tienes leche o puedes amamantar. Entonces las enfermeras te revisan el pecho en el hospital. Al fondo hay un azulejo verde y una foto rota de Zartliche Berühungen 1-5 de Renate Bertlmann, 1976. La foto de Bertlmann me recuerda a una escena de sexo, no sabía qué eran específicamente pero tal vez condones, pero también consideré senos de mujer, así que elegí esta foto como otra forma de inspiración. La lactancia materna fue una experiencia sexual y erótica para mí, y tuve un orgasmo debido a muchas contracciones uterinas. En primer plano hay una mesa azul con biberones, lactancia materna y otros dispositivos de apoyo.

caitlin: ¿En qué has estado trabajando más recientemente? ¿Cuales son tus esperanzas para el futuro?

andrea: Estaba en una exposición con mi amiga artista Judit Horváth Lóczi. El título era «Historias similares» en The Space Gallery de Budapest en febrero de 2023. Fue una exposición muy importante que trataba temas tabú en torno a la maternidad. Hemos definido siete conceptos extraídos de nuestra propia experiencia pero que tienen validez general (Remordimiento constante / ¡Nada importa! / ¡Agotamiento, viejo amigo! ¡Ven a abrazarme! / Falta de empatía materna / Si fueras niño / Carga mental, proliferando mente / Privacidad perdida), que tratan sobre los problemas importantes y los aspectos tácitos de la identidad y las preocupaciones de nuestra madre experimentada, los roles de los padres y la cuestión de la compatibilidad de la práctica y la carrera artística, así como las características de una «madre» sin tabúes. y clichés, profundamente psicologizantes, autorreflexivos e íntimos, pero con un lenguaje estilístico radicalmente diferente.

Tengo muchas ideas y quiero dibujar mucho. Me estoy preparando para mi exposición individual en la Galería Erika Deák, mientras participo en muchas exposiciones. Espero convertirme en una artista de inspiración para otras artistas femeninas y algún día exponerme en Nueva York.