20:20 Exposición en el Murray Art Museum Albury – VoCA

Esta semana, damos la bienvenida a los autores contribuyentes Michael Moran y Emily Mulvihill. Michael Moran es curador del Murray Art Museum de Albury y anteriormente ocupó cargos en la Sherman Contemporary Art Foundation de Sydney; Museo de Arte Contemporáneo de Australia; Sídney, Whitecube, Londres; y se desempeñó como director de la iniciativa dirigida por artistas Firstdraft, Sydney, entre 2005 y 2007. Emily Mulvihill es la registradora del Museo de Arte Murray Albury. Emily es conservadora de pintura y se especializa en pinturas modernas y contemporáneas. Ha trabajado como conservadora de pintura en el Museo de Arte Moderno y en Amann + Estabrook Conservation Associates en Nueva York. Anteriormente ocupó cargos en el Australian War Memorial y la Galería Nacional de Australia.

El Museo de Arte Murray (MAMA) está ubicado en Wiradjuri Country en Albury, Nueva Gales del Sur, Australia. MAMA cree en el poder del arte y los artistas para inspirar, desafiar y fortalecer a nuestra comunidad, enriquecer la vida cultural de la región de Albury y ubicarse entre los principales museos y galerías de arte de Australia. Nuestra misión es ser un importante destino cultural y de arte contemporáneo en la región de Nueva Gales del Sur y brindar el mejor arte contemporáneo a la gente de nuestra región y a quienes visitan nuestra ciudad, y fomentar nuevas experiencias en las artes y la cultura.

En respuesta a la pandemia mundial, MAMA inició la exposición 20:20 que abordó las condiciones del cierre de 2020 causado por COVID de una manera única e innovadora. Con proyectos largamente planeados pospuestos y un calendario de cierre incierto, 20:20 Fue diseñado como una exposición con consideraciones de cambio y disrupción desde el principio.

Lucas Parker, Las cosas se desmoronan (neón), 2020, Inauguración MAMA 2020. Foto Jeremy Weihrauch.

Las cosas se desmoronan: el centro no puede esperar…[1] Así dice el poema frecuentemente citado de Yeats.

agradecidamente, 20:20 es una exposición construida sin centro, producto de un tiempo incierto que puso en crisis un cambio, junto a un cálculo cultural e histórico; Al igual que nuestro tiempo, es una exposición de muchas cosas, una al lado de la otra, todas a la vez.

Buscando apoyar a los artistas en un momento de gran incertidumbre, MAMA encargó a veinte artistas de nuestra región y de todo el país que produjeran nuevos trabajos para 20:20. La exposición resultante ofreció veinte perspectivas que iban desde una crítica de los problemas globalmente sentidos de la emergencia climática, el movimiento BLM y la injusticia económica hasta reflexiones íntimas y resilientes sobre el trabajo en una época de grandes cambios. Las obras de arte producidas incluyen instalaciones, videos, pinturas, fotografías, dibujos y esculturas específicos del sitio.

El texto de arriba, Las cosas se desmoronan, se cita directamente en una nueva obra de neón de Luke Parker que actúa como punto de orientación para la exposición. Las palabras, escritas por Yeats durante la pandemia de gripe de 1918-1919, cuelgan en el atrio central del museo en neón blanco con mayúscula, un texto que nos recuerda a todos que la inestabilidad es algo que se espera y que el tiempo tiene una forma de retroceder. sí mismo.

Los espasmos culturales y sociales que surgieron de esta pandemia se sintieron en las obras de Shan Turner-Carroll, Matthew Griffin, Zoë Marni Robertson, Shan Turner-Carroll, Tiyan Baker y Biljana Jančić.

Shan Turner-Carroll, Borde del jardín (detalle), 2020, MAMA. Foto Jeremy Weihrauch.

La experiencia de Shan Turner-Carroll con COVID obligó a una reflexión forzada sobre su historia familiar y su infancia en la región de Australia, produciendo un trabajo tosco pero divertido. Borde del jardín, 2020. Se trata de una instalación de fotografías y elementos escultóricos; Las fotografías capturan a miembros de la familia Turner-Carroll vistiendo esculturas hechas de «ropa deportiva vieja, trajes de baile, cortinas, alfombras, cuchillos y flores» en dispositivos diseñados para interactuar con el cuerpo.[2] Estas fotografías cuelgan de las paredes y fueron distribuidas con las esculturas que se muestran en las fotografías. Durante el aislamiento por COVID, Turner-Carroll regresó a la granja familiar y pasó varios meses haciendo estas esculturas que fueron producidas a partir de materiales encontrados en la propiedad. En palabras del propio Turner-Carroll, los describe como:

El proceso de inventar, vestir y actuar ante la cámara revela una parte central de mi infancia en la zona rural de Nueva Gales del Sur, donde el aburrimiento era una amenaza constante y el entretenimiento encontraba su salida en desfiles de sombreros de Pascua, eisteddfods de baile, belenes y artesanías caseras. música. vídeos.

Edge of the Garden descubre una historia familiar y al mismo tiempo la vuelve a contar a mi entorno familiar (y familiar). Los guantes de boxeo se convierten en terrarios y las muletas en piernas. Las imágenes resultantes viven en el reino de lo siniestro, existiendo entre lugares y tiempos; entre la vista y la ceguera, lo real y lo imaginario, el malestar y el descanso. Como los animales dentro A la luz de los faros, o incluso a los bichos nocturnos del jardín expuestos por una antorcha, mi familia se recrea como extraños espíritus del inconsciente, cambiaformas en transición, joyas en la noche.[3]

Otros artistas han visto los problemas sociales de nuestro tiempo a través de una lente histórica más amplia, que para Archie Moore y Rita Wenbverg ven la enfermedad y la separación como parte de esta historia de colonización y sus desastrosos impactos en los pueblos de las Primeras Naciones.

Archie Moore, Trinidad impía (colonialismo, cristianismo y capitalismo), 2020, Vista de instalación de MAMA. Foto Jeremy Weihrauch.

El trabajo del hombre Kamilaroi Archie Moore Trinidad impía (colonialismo, cristianismo y capitalismo) se mostró en Quest Gallery, una pequeña galería que creó un espacio íntimo e introspectivo. El espectador podría meditar sobre la afirmación de Moore de que “el colonialismo, el cristianismo y el capitalismo son armas de la misma bestia que cambió las vidas de los pueblos aborígenes para siempre. Esta bestia también trajo consigo: contagios, cierre, «civilización», la Corona, chauvinismo y conflicto».[4] En el espacio de la galería con poca luz, Moore creó una vidriera que reemplaza el motivo cristiano tradicional del sagrado corazón de Jesús con imágenes contemporáneas. La figura central de Jesús tiene la cabeza de una caricatura racista de muñeco de trapo de un juglar, sosteniendo un signo de dólar en su mano izquierda y una calavera en su derecha y el sagrado corazón reemplazado por una célula de coronavirus de color púrpura. Delante del vitral hay un tapiz dorado y rojo decorado con letras de madera con una Biblia con pasajes recortados. El último componente de este Santísima Trinidad es una ‘máscara mortuoria’ de color gris oscuro proyectada por el propio rostro de Moore que se mezcla con las paredes grises de la galería detrás de ella.

Para muchos artistas, 20:20 presenta una manera de continuar exploraciones en su práctica en un momento en el que gran parte de nuestra experiencia social, cultural y laboral estaba decayendo. Las obras de Tarik Ahlip, Mary Jane Griggs, Lisa Sammut, Newell Harry, Robert Hirschmann, Ashlee Laing y Aida Azin presentan, a su manera, mecanismos para mantener una visión creativa en un momento que carece de claridad. Para D Harding, Nicole Foreshew, Shireen Taweel, Tané Andrews y Susie Losch, las sutiles reverberaciones de la disrupción residen en obras que no abordan la pandemia directamente pero cuyas condiciones de creación se ponen de relieve a través de restricciones a los movimientos y algunas de las incógnitas más amplias. de nuestra situación actual.

D Harding, Los chicos – levantar, 2020, Vista de instalación MAMA. Foto Jeremy Weihrauch.

Suspendido bajo los tragaluces que conectan el edificio colonial y la extensión contemporánea del MAMA, D Hardling’s Los chicos – levantar Consiste en paneles de vidrio de 2 m que han sido recubiertos con resina de xantorrea, recolectada por D y luego aplicada con la ayuda de su aliento. La aplicación de gotas irregulares contrastaba con el vidrio fabricado industrialmente y las correas de elevación moradas que sujetan los paneles de vidrio. La obra recuerda a las vigas de acero fijadas al lateral de un rascacielos. También hay una interacción esencial de la luz del sol con la obra: al proyectar un reflejo en la pared y moverse a medida que se mueve el sol, invita al espectador a mirar hacia arriba y contemplar el reflejo, ofreciendo un punto de meditación similar al manchado. -ventanas de cristal de una iglesia.

Puede que el centro no aguante, pero esto no es motivo de desesperación. Juntos, los veinte artistas de 20:20 muestran que es posible un colectivo en red, democrático y, a veces, disonante. Puede ser un modelo para un mundo mejor, o al menos eso esperamos en tiempos como estos.

20:20 Fue el proyecto más ambicioso de MAMA hasta la fecha. Los enormes niveles de participación, tanto en asistencia física como a través de medios distribuidos, señalaron la importancia de crear foros para experimentar el arte de nuestros tiempos en un entorno desafiante.

Si desea explorar más la exposición, puede encontrar más detalles sobre la exposición y los artistas aquí https://www.mamalbury.com.au/exhibitions/2020

[1] https://www.poetryfoundation.org/poems/43290/the-first-coming

[2] https://www.mamalbury.com.au/exhibitions/2020

[3] Ibídem.

[4] Ibídem.